Netflix原創紀錄片《1975：天翻地覆的一年》（Breakdown: 1975）由奧斯卡得主摩根·內維爾執導，以一種近乎詩意的敘事節奏，帶觀眾潛入那個美國歷史上最矛盾、最富爆發力的年份。1975年，國家剛從越戰的血腥泥沼中掙脫，水門醜聞的陰影仍籠罩華盛頓，經濟衰退讓中產階級焦慮，種族與性別運動風起雲湧。表面上看，這是個崩壞的時代；但在好萊塢，一場靜默卻猛烈的革命正在發生。一群年輕電影人——他們多半三十出頭，帶著對舊規則的厭倦與對現實的憤怒——抓住工作室體系短暫鬆動的機會，將社會的裂痕直接鑿進銀幕，創造出《計程車司機》、《飛越杜鵑窩》和《螢光幕後》等震撼人心的作品。本片沒有刻意渲染懷舊濾鏡，而是像一場緩慢的手術，層層剝開那一年電影與社會的共生關係，讓人看見藝術如何在廢墟中開出最刺眼的鮮花。
本片最迷人之處，在於它並未將1975年的電影豐收簡單歸為「天才湧現」，而是把它們當作時代症狀來解剖。《計程車司機》裡的崔維斯穿梭在紐約的霓虹與垃圾之間，他的孤獨與暴力衝動，正是越戰退役士兵與都市疏離的縮影；《飛越杜鵑窩》中的麥克墨菲反抗精神病院的鐵律，呼應了反文化運動對體制壓迫的控訴；《螢光幕後》那句「我受夠了，我要發瘋」的吶喊，則提前四十年預言了電視媒體的歇斯底里。摩根·內維爾沒有急於讚美這些作品，而是讓它們與當年的新聞畫面對話：抗議遊行、失業隊伍、石油危機的排隊車龍，與電影片段並置時，觀眾會驚覺這些電影並非虛構，而是對現實的直接轉譯。那一年，奧斯卡最佳影片頒給《飛越杜鵑窩》，它橫掃五項大獎，象徵新好萊塢終於擊敗舊勢力，卻也標誌著這場叛逆即將被商業洪流收編。
片中訪談部分宛如一場跨越半世紀的聚會，茱蒂·福斯特以低沉而溫柔的旁白串起一切，她當年還是童星，卻已參與那個時代的邊緣。馬丁·史柯西斯談起拍攝《計程車司機》時的紐約街頭，語氣中帶著當年的憤怒與興奮；艾倫·柏斯汀回憶《飛越杜鵑窩》的片場，提到女性演員如何在男性主導的環境中爭取話語權；奧利佛·史東則從編劇視角剖析《螢光幕後》的預言性。年輕一代如喬許·布洛林、塞斯·羅根與巴頓·奧斯華的加入，則帶來當代視角，他們的驚嘆與反思，讓歷史不再遙遠。內維爾的剪輯手法極其克制，他讓受訪者自然說話，避免強加導演觀點，結果這些片段像老照片般，細碎卻充滿生命力，讓觀眾感受到那一代電影人並非神話中的英雄，而是被時代推著走的普通人，只是他們選擇了用鏡頭反擊。
摩根·內維爾的導演風格一向溫柔卻精準，這部作品也不例外。他大量使用1975年的原始素材從電視新聞到街頭抗議，從搖滾演唱會到政治演說——這些畫面與電影片段交錯時，產生強烈的共振效果。內維爾並未將焦點局限在好萊塢的輝煌，而是延伸到更廣的文化土壤：女性主義的第二次浪潮、黑人權利運動的持續發酵、以及年輕世代對傳統的徹底質疑。他讓觀眾看見，新好萊塢的崛起並非孤立事件，而是整個社會反叛的一部分。同時，他也點出這場狂飆的代價：商業大片的陰影已開始籠罩，獨立精神在接下來幾年逐漸被稀釋。這份雙重視角，讓本片不僅是慶祝，更是帶著惆悵的告別——告別那個電影還能如此直接、如此尖銳地刺穿現實的年代。
《1975：天翻地覆的一年》最終留給觀眾的，不是單純的懷舊滿足，而是一種靜默的震撼。那一年，電影人用銀幕回應了國家的傷口；半世紀後，我們是否還擁有同樣的勇氣？本片沒有給出答案，只是讓那些經典片段與訪談在腦海中迴盪，讓觀眾自己去對照當下。摩根·內維爾以他一貫的細膩與人文關懷，將一段電影史轉化為一場關於藝術、社會與人性的對話。在這個碎片化資訊氾濫的時代，這部紀錄片像一劑緩慢卻深刻的解藥，提醒我們：真正的電影，從來不只是娛樂，而是時代最誠實的見證。
